PromenARTS - Galeries d’Art – organise en dehors de ses murs des expositions pour permettre au plus grand nombre d’être en contact avec l’art.
Prochain événement : ARTS ILE DE RE 2012 au Bois Plage en Ré.
du Samedi 28 Avril
au Mardi 1er Mai
ENTREE GRATUITE
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2012
GROS SUCCES avec 5 200 visiteurs - MERCI A TOUS
2011
Nous avions réunis 45 artistes lors du premier salon d'art contemporain sur l'ile de Re en 2011 - au Bois plage en Re. Gros succès car 3 300 personnes ont pu rencontrer les artistes lors de ces 3 jours d'exposition
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ENTREE GRATUITE
PARKING A PROXIMITE
PromenARTS organise des expositions en dehors de ses murs pour permettre au plus grand nombre d'être en contact avec l'art ( hopitaux, ecoles, universites, entreprises..) Nous participons à des salons d'art en France et a l'étranger pour assurer au mieux la promotion des artistes qui nous font confiance.
Enfin nous organisons nos propres salons d'art contemporain en France pour présenter encore mieux tous nos artistes, ces salons sont également ouverts à des artistes invités par les galeries promenARTS.
PromenARTS propose également une offre complète de locations d'œuvres d'art aux professionnels. PromenARTS vous conseillera dans vos choix à l’achat ou à la location en fonction de votre budget, de la fiscalité, de la cote de l'artiste et de l'intégration de l'œuvre dans vos locaux.
5200 Vitsiteurs = Gros succes
Nous ( artistes / organisateurs ) sommes très content de cette seconde édition de ARTS ILE DE RE
Superbe ambiance, tres tres bons retours des visiteurs….
bref que du bonheur et donc on remet ca l’année prochaine
les dates de l’édition ARTS ILE DE RE 2013 dés que possible
Merci a tous
Patrick
Quelques images de l’installation du salon…
Exposition / MOBILIER D’EXECPTION
Jean-Luc Le Mounier _ collection 2102
Un rien suffit au bonheur de la pointe du pied jouer avec une boite rouillée sous un arbre ombragé s’asseoir et regarder l’oiseau sur la branche au feuillage argenté fragmenter les rayons du soleil déposant à vos pieds ses taches dorées et vous remarquerez que sur ce chemin emprunté vous n’avez rencontré ni points ni virgules susceptibles de vous faire chuter alors continuez et rêvez
Nous vous présentons une sélection d’oeuvres achetées directement dans les communautés d’artistes en Australie. Notre collection importante est composée de toiles d’artistes reconnus, beaucoup d’oeuvres ne sont pas à vendre mais elles permettent d’avoir une approche que nous espérons intéressante de l’art Aborigène d’Australie.
Laurent Maëro
Le sculpteur Maëro crée des dentelles brillantes, sensuelles, généreuses. Il transcende l’inox pour figer des mouvements, des courbes qui s’enchaînent en harmonie. Le regard peut tourner sans cesse autour de ses créations. Le sculpteur aime surprendre. Pour Maëro, seule compte l’émotion ressentie par le public qui découvre son travail. Après être passé entre ses mains, le métal, froid et rigide, devient chaleureux et poétique.
Maëro’s sculptures are like lace; shiny, sensual and generous. He transcends the steel to capture the movements and curves that intertwine in harmony. One’s gaze can continuously encircle the sculptures. The sculptor enjoys creating a feeling of surprise. For Maëro, all that counts are the emotions felt by the public upon discovering his work. Once it’s been through his hands, the metal, cold and rigid, becomes warm and poetic.
vous survolez les toitures de villes imaginaires.
Poussez les portes des immeubles, ouvrez grand les fenêtres, racontez vous des histoires,
faites les boutiques, flânez…
EMMELENE LANDON
Peintre, auteur de plusieurs ouvrages, créatrice d’émissions de radio et de films vidéo, Emmelene Landon s’exprime avec aisance sur tous les supports qu’elle expérimente.
Née en Australie, habitant en France, elle a exposé sa peinture pour la première fois à Pékin en 1988 : un véritable événement à l’époque. Depuis, Emmelene Landon, invitée pour présenter son travail dans le monde entier, n’a pas cessé de voyager et de collecter des émotions et des interrogations qu’elle partage au-delà des frontières dans ses nombreux travaux.
Emmelene Landon, a painter who has published five books, also directs radio programmes and video films, moving from one form of expression to the other with ease. Born in Australia, she lives in France. Her first painting exhibition was held in Peking in 1988, which was some feat at that time. She is invited to present her work all over the world, and travels to share emotions and interrogations beyond physical boundaries.
Dans son atelier situé au coeur du 20ème arrondissement de Paris, Alice Riehl modèle la porcelaine en association avec des fibres textiles. Ses sculptures et contenants aux formes aériennes évoquent un univers féminin, entre couture et végétal, et la capture du mouvement donne vie à ses pièces. Inspiré par les dentelles qu’il intègre, son travail est un hommage aux ouvrages de dames, aux travaux d’aiguille, modestes ou sublimes créations de générations de femmes.
Formée à l’Institut de Céramique Française à Sèvres, et adhérente des Ateliers d’Art de France , Alice Riehl a vu son travail récompensé par le Prix du Jury «Céramique sur Seine» à Melun en 2007, par la Mention Spéciale du Jury de Céramique 14 en 2006, et elle a été lauréate du concours Nîmagine en 2006.
Les pièces uniques d’Alice Riehl sont diffusées en Europe, en Amérique du Nord, en Asie et au Moyen-Orient
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Les fresques murales sont à l’honneur à la Galerie Promenarts à Saint-Martin-de-Ré du 30 mars au 28 mai 2012,
et à l’Atelier Gary Lee à Chicago
Il est des êtres doués pour la mobilité
mentale, l’exploration des possibles, le
goût des aventures artistiques. Ils sont
rares et Jean-Louis Foulquier est de ceuxlà.
Il a le goût de l’émerveillement et du
partage.
Sa manière de voir le monde nous avait
rapprochés, mis en amitié élective.
Ce Blondin direct et bourru cache mal
une sensibilité délicate et un grand coeur.
L’art, la peinture et la vie sont convoqués
à chacune de nos rencontres car pour
lui comme pour moi, l’art est la grande
affaire, le miel de la vie.
L’animateur de radio, l’inventeur des
Francofolies, le comédien inspiré,
viennent pour ma part au second plan de
cette personnalité à facettes, Jean-Louis
est avant tout un artiste.
Jean-Louis Foulquier est un coeur fiévreux,
cela se voit dans ses tableaux farouches,
sans effets faciles, dans sa matière
sensuelle et puissante.
Après ma première visite dans son atelier,
je lui avais fait livrer une brassée de
châssis et toiles vierges en signe d’encouragement
amical. Aujourd’hui, je dépose
cette poignée de mots en écho à son
oeuvre chaleureuse.
Richard Texier, peintre et sculpteur
[extrait] Paris, le 7 mars 2011
Gauthier est né en 1962, en Vendée.
« En 1989, je découvre et apprends le travail du verre. Une évidence s’impose ; différent.
Durant vingt ans, l’atelier reste mon univers de prédilection, les pièces uniques enrichissent les collections françaises, néerlandaises, anglaises ou belges. L’alchimie est agréable. Le tout est ponctué d’expositions et salons en France, Allemagne, Algérie, USA.
En 2007, j’esquisse des insectes amphibiens difformes et énormes. J’écris un conte ; fil conducteur de l’œuvre.
Le crayon court mais ma maîtrise du verre permet ces débordements.
En 2009, “l’Armée sans ennemis” naît. C’est la fin d’une civilisation et le renouveau d’un monde déchu, l’histoire d’une création.
Cette saga verrière de 52 guerriers part des océans. »
Gauthier was born in 1962, in the Vendée region of France.
“In 1989, I discovered and learnt how to work with glass, immediately struck by the difference of this medium. Twenty years later, my studio is the centre of my universe, and my sculptures enrich French, Dutch, English and Belgian collections. The alchemy is pleasant. All this is punctuated by exhibitions and art fairs in France, Germany, Algeria and America.
In 2007, I started drawing enormous, deformed amphibian insects. I was writing a story, tracing the main theme of my work.
The pencil dances but my mastery of glasswork leaves room for outbursts.
In 2009, the ‘Army Without Enemies’ was born. The end of a civilisation and the renewal of a fallen world, the story of a creation.
The saga in glasswork of 52 warriors arises from the oceans.”
C’est par le tâtonnement qu’arrivent par bouffées les pistes que j’emprunte. C’est dans le désir, la profusion, que s’installent et se développent des histoires inimaginables qui racontent sans s’appesantir sur le sujet. C’est dans la confusion des débuts que s’articulent les signes, dans cette opération qui pour moi reste un mystère. Ce sont des histoires qui ne veulent rien dire, sauf que tout un chacun peut y trouver un sens différent.
J’avance donc a pas comptés, « mine de rien », incertain, en peignant comme je parle : en bégayant ! La surprise est le mode constitutif de l’opération. Il faut débusquer le désir ou la farce n’est pas absente, dans la gravité de l’ouvrage ouvragé.
C’est aussi avec la couleur, retenue dans les gris et vigoureuse dans les rouges et les verts rompus. La couleur est un sentiment qui s’embrase, rallie, attire le sentiment, l’instinct, le désir, la surprise, la joie d’un soir, revus et corrigés le lendemain pour repartir plus vite. Actuellement c’est le visage, c’est assez étonnant de voir défiler cette galerie de portrait qui me regardent en souriant, sévères aussi parfois.
C’est le jeu de l’apparition et de la disparition où le modèle est absent, puis achevé rapidement en rassemblant d’un coup toutes les émotions. Car la peinture est émotionnelle. Apres il y a le choix, le rappel à la règle, la mémoire de l’homme qui marche sur la falaise, de celui qui rencontre, regarde, redécouvre les beautés du monde qu’il a croisées. Et les combinaisons sont immenses.
Refaire encore et encore des images qui seront des images sublimées de la vie. Être vrai et neuf. Aucune image ne ressemble à celle-ci. Elle témoigne d’une action qui est personnelle, unique : il faut simplifier sans caricaturer. Simplifier si l’on veut être au plus près des élans vitaux. Il faut essayer de faire émerger ses richesses enfouies. C’est aussi ce rapport là qui m’intrigue : quelle est l’image qui va triompher des autres ? Les signes succèdent aux signes. Mais parfois l’espace surgit : la peinture devient « climatique ». Elle parle de la pluie, le bateau attend pour rentrer au port et le marin est inquiet, souriant quand même, il a besoin de rencontres, mais le modèle est absent. Le désir accompagne le geste et les émotions. La couleur est émotionnelle – c’est la mémoire de millions de perceptions qui m’ont frôlées et la jubilation de redécouvrir des sens qui font rebondir constamment avec le jeu dans la légèreté – c’est une forme sans forme que l’on pourrait reconnaître mais que l’on a du mal à nommer
Peintre, François Fries l’est absolument, délibérément. Son expérience passée, notamment dans le cinéma, aurait pu le conduire vers d’autres formes de l’image, mais c’est la peinture, la plus traditionnelle, peut-être, la plus riche, encore, qu’il a choisi comme on détermine sa voie. En toute conscience. Une conscience presque politique, un geste de résistance contre une certaine vanité de la reconnaissance qu’il connut, un acte de modestie et de retrait.
Lucy habite en France depuis plus de vingt ans et à Auray dans le Morbihan depuis 2001.
Elle travaille souvent le bronze mais prend plaisir à l’associer à d’autres matériaux; tel l’acier, le cuivre, la céramique .Elle aime jouer, expérimenter … en ce moment c’est le textile qui passe—incorporé dans la cire pour donner un relief extraordinaire aux bronzes, ou bien recouvert de résine pour des installations grandeur nature.
L’endroit préféré pour installer ses œuvres? L’extérieur. Où la lumière naturelle ne cesse de jouer sur ces matières. Où le vent et la pluie interviennent aussi. Elle participe donc de plus en plus souvent à des salons pour œuvres extérieurs.
FIFAX crée un monde situé entre réalité et imaginaire.
Son univers est façonné par les romans de Jules Verne, qui lui enseignent qu¹il n¹existe de limites que celles de son propre imaginaire. Il retire aussi de ses voyages le goût des moyens de locomotion en tous genres, utilisant les transports existants et en inventant d¹autres, de plus en plus fous, accaparant l¹espace et défiant les lois de la physique pour créer un univers sans contrainte.
Fifax tire des dessins animés, dont il se nourrit petit, une volonté constante d¹animer son personnage et ses aéronefs et de dépeindre leurs mouvements, au besoin en en exacerbant les contrastes. Et même quand le sujet semble s¹être enfin immobilisé un court instant, on ne trouve pas un paysage urbain qui ne soit tranché par l¹arrivée d¹un métro aérien, pas un building qui ne soit frappé d’une ombre improbable, pas un immeuble haussmannien qui ne soit chatouillé par un filet de lumière et pas un ciel qui ne soit bousculé par l¹alizé, le zéphyr ou l¹hurricane.
Homme de voyage, Fifax crée, avec de puissantes couleurs, un monde situé entre réalité et imaginaire. S’il dessine depuis l’enfance, son parcours s’est nourri de nombreux séjours aux Etats-Unis et en particulier à New York, cette fascinante jungle urbaine qui marie Art Déco et design futuriste.
Quand les tours de verre côtoient les bâtiments de briques, quand leur hauteur nargue les piétons, Fifax s’imprègne de cette atmosphère urbaine et nous en restitue des vues inhabituelles : penché à la fenêtre d’une chambre d’hôtel, à bord d’un hélicoptère ou d’immeubles anonymes, l’artiste traque les angles les plus audacieux, toujours baignés de la lumière si particulière à son travail.
Né à Paris le 9 avril 1962. Vit et travaille à Paris.
L’œuvre de Pierre-Augustin Marboeuf est foisonnante. Partagée entre une inspiration humaine et une inspiration animalière, elle est travaillée par une double postulation : vers le haut – les étoiles, le ciel, éventuellement un Dieu absent, et vers le bas – la terre, le corps, la matière, voire le néant. Enfin, son registre émotif est multiple : l’angoisse, la violence ou l’énergie, la sérénité, l’humour, le désir.
Yvon Quiniou
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Qui sont ici les poissons et les chiens ? On dirait qu’ils se confondent au génie de l’auteur comme les danseuses avec celui de Degas. Pour les faire aussi dodus, pointus, mafflus, aigus, obtus, farfelus, infoutus de flotter,
il faut les aimer d’un amour fou. Assez fou pour rêver qu’un jour les filets de tous les océans se mueront en langes pour tous les nouveau-nés encore en quête de nageoires…
Jean Lacouture
Et oui… Tout ce que nous ne voyons pas n’est pas la nuit mais, le vaste espace de liberté dédié à notre imaginaire. Alors! Qu’attendons nous pour apprendre, imaginer, créer et enfin aimer, dans ces mondes toujours nouveaux pour lesquels les seules limites sont nos peurs.
Par les formes et les couleurs, voila ce que propose mon travail : bousculer nos craintes, donner à voir qu’en nous, sont et se trouvent… NOS vies.
« Ecoles tombées en désuétude, quels qu’en soient les risques, je permets à la Nature de s’exprimer sans frein, avec sa puissance originelle » (Walt Whitman)
Né Perth, Australie occidentale - Habite à Sydney, Nouvelle Galles du Sud
En grandissant dans les régions de la côte de l’Australie occidentale, j’ai très tôt développé une passion pour le paysage qui s’exprime toujours à travers une spiritualité limpide.
Je me sens en symbiose avec la nature, là où la forme humaine n’est plus qu’une extension de la terre, la mer et le ciel ; la lumière étant souveraine.
Je me sens parfois bouleversé en observant le paysage australien, un sentiment de “filiation et de sensualité” – ne souhaitant pas le perturber mais au contraire de le mettre en avant.
Born in Perth, Western Australia - Resides in Sydney, New South Wales
Growing up around the coastal regions of Western Australia, I developed an early love of landscape that continues to express itself in simplistic spirituality.
I feel at union with nature, where the human form is an extension of the land, sea and sky – light being paramount.
I am sometimes overwhelmed in my observation of the Australian landscape, a feeling of “connection and sensuality” – not wanting to disturb it but draw attention to it.
Jérôme Clochard – Mosaïste – propose des oeuvres de format tableau.
Jérôme Clochard a aujourd’hui une belle réputation dans le petit monde de la mosaïque. Ce créateur authentique travaille pour les architectes, le service des monuments historiques ou de simples particuliers, selon le cas. C’est ainsi qu’il a participé dernièrement à la rénovation de frises sur la façade du Printemps Haussmann à Paris, d’une mosaïque du peintre Toffoli, ou créé des incrustations originales pour des hôtels parisiens entièrement redécorés sur des thèmes spécifiques.
Il présente également désormais des œuvres de tailles plus réduites, comparables à des toiles, dans la Promenarts, sur l’île de Ré.
Je tiens vraiment à jouer un rôle dans la découverte de la mosaïque contemporaine », explique-t-il. « C’est une pratique très différente de la peinture, une technique à part entière et qui séduit les petits comme les grands parce qu’elle a une force particulière, c’est dû à la matière et à son rendu puisque nous utilisons des pâtes de verre vénitiennes, du marbre, ou bien encore de la nacre, par exemple ». Reste que, pour donner à voir au grand public, les opportunités ne sont pas si nombreuses. Et ces vitrines doivent également être le plus faciles d’accès possible. D’où la suggestion faite par l’artiste.
« J’aimerais toucher les chefs d’entreprises qui souhaitent personnaliser leur lieu de travail ou d’accueil avec des créations originales. Elles seront faites sur mesure, sur demande, selon leur personnalité. Cela me permet de vendre mon travail mais aussi de faire découvrir cette technique. »
Valérie Lebrun est née en 1959, elle passe son enfance à Aix-en-Provence.. Avant d’être Sculpteur - Céramiste, elle exerce dans le monde du spectacle en tant que : Costumière-Plasticienne, elle le quitte pour monter des Chantiers Artistique d’Insertions et répond par ce biais à des commandes publiques de mosaïque. Mais, le besoin de reprendre contact avec la matière et celui d’avoir une recherche de création plus personnelle, l’a conduit à l’Institut de Céramique de Sèvres où elle découvre sa passion pour la terre et le monde de la Céramique Contemporaine.
« Tout de suite les céramiques de Valérie Lebrun ont eu un aspect rare, personnel. Ce qu’elle crée, ce sont des sculptures aux courbes couvertes de pétales étirés, elle leur adjoint le frémissement d’un semis de petits boutons non éclos, irréguliers.
Étranges et somptueuses, ces pièces aux volumes fantomatiques, vêtues de parures de fêtes, sont comme une terre de printemps, bouleversée, donnant vie à autre chose. Comme un monde caché, grossièrement ébauché, couvert d’une texture patiemment élaborée, vivante et frémissante.
Après des périodes de travail plus ou moins longues sur différentes terres de hautes températures, je donne finalement la préférence à la porcelaine pour ses qualités tactiles, sa finesse, son jeu avec la lumière.
Attachée à la beauté des céramiques chinoises Song, cette création s’oriente à partir de là, vers une esthétique contemporaine, cherchant une adéquation entre la sobriété des formes et la richesse subtile de l’émail.
Tournée, chaque pièce est unique, envisagée comme une sculpture et inscrite dans le temps, mais se refusant au phénomène de mode…
on dirait une foule silencieuse
comment vont tes bavards ?
ils mériteraient d’avoir des bras
c’est une manif ?
qu’est-ce qu’ils attendent
ils me font peur
sans signe extérieur d’appartenance
pas d’époque et pas d’histoire
des imbéciles heureux
débonnaires
quel bruit ils font
ça fait longtemps ?
échappés
un travail sur la multiplication
celui-là surtout
comme s’ils étaient dans une caverne
autoportrait ?
la vérité nue
la grâce suspendus entre ciel et terre
contemporain
ce petit peuple d’argile qui demande nourriture
c’est la résurrection
ensemble
ils regardent l’horizon
quand il est fini, je souris des innocents
je les ai déjà vus quelque part
celui-là surtout
They look like a silent crowd
How are your chatterboxes doing?
They deserve arms
Is it a demo ?
What are they waiting for ?
They frighten me
without external signs of membership
no epoch and no history
happy dummies
good-natured
what a cacophony they make
Has it been a long time?
Escapees
A work on multiplication
Especially that one
As though they were in a cavern
Self-portrait?
The bare truth
Grace
Hanging between sky and earth
Contemporary
These small clay people asking for food
It is resurrection
Together
They watch the horizon
When it is done, I smile
Innocent people
I saw them somewhere already
That one in Particular
Eric Bossard naît en 1968 à Cholet.
Dès sa plus tendre enfance, le dessin est son moyen de communication privilégié avec autrui. Mais très tôt, ce qui était un jeu, devint une passion pour celui qui signa sa première toile à l’âge de 13 ans sous le pseudonyme de « BOS ». Un amateur d’art, ami de la famille, découvre cette reproduction de Dûrer et convainc ses parents de l’inscrire au cours de Joseph Martineau à Vezins.
A 16 ans, il est admis à rentrer au sein de l’école Brassart à Tours (école d’art graphique). Benjamin de sa promotion, il en sort major à 19 ans, ce qui lui vaut d’être immédiatement recruté par une agence de publicité du groupe Havas. Il mettra son année de service national au profit de sa passion en intégrant un bureau de dessin de l’armée de l’air à Rochefort-sur-mer.
Le jour de son 24ème anniversaire sera également celui qu’il choisira pour s’installer en freelance dans l’illustration. Son talent est très vite reconnu par des agences de publicité de toute la France (Paris, Toulouse, Nantes, Clermont-Ferrand, Rennes, Brest…). Son coup de crayon sait comprendre les attentes des clients de ces agences qui sont issus de l’industrie ou de services et l’on compte parmi eux de très grandes enseignes.Des banques (Crédit Mutuel, Crédit Agricole, Caisse d’Epargne…), des assurances (Axa, Groupama…) ou encore des évènementiels tel que le salon nautique de Paris.
Apprentissage du bonheur (Préface de Gérard Forche)
Lorsque, pour la première fois, je rencontre l’oeuvre de Bos,
je suis immédiatement enthousiasmé, stupéfait par la puérilité à la fois intacte
et perfectionnée du trait. Une candeur, une joie de la découverte saisissante,
communicative, prodigieusement orchestrée, mise à disposition de l’émotion
et de l’intelligence. Sa peinture nous rend non seulement capable de revenir
vers une légèreté, une fraîcheur d’âme, de redécouvrir la notion du plaisir,
des joies naturelles et merveilleuses, mais elle nous permet d’accéder
à un état de grâce, de soudaine compréhension du monde, de l’humain
et de sa nécessité. Une démarche picturale indéniablement et intrinsèquement
optimiste. « La vie est belle » et Bos nous le prouve
avec une apparente simplicité, justesse et un génie déconcertant… patent!
La vie serait construite dans l’unique but de nous rassembler
dans un emerveillement, une contemplation fusionnelle, où le sourire de chacun
participerait à la signature de cette gigantesque oeuvre collective.
Bos détourne la peinture afin de la rendre plus livresque. Son trait agit
comme une écriture, comme un cahier ouvert, où chaque mot,
chaque phrase est attendrie, protégée par la couleur. Encore une fois,
tous les sujets sont abordés avec jubilation, fantaisie,
libérés de toutes négligences, substances, torpeurs existentielles.
Il ne faut donc retenir que l’essentiel, que ce qui dépasse,
que ce qui fait avancer et croire en la vie.
Une aspiration extraordinaire, rare, pour un résultat bien réel,
bouleversant d’humanité, de générosité, de sincérité et d’humilité;
une série d’adjectifs forcément redistribuée à son créateur,
personnage atypique et irrésistible, à l’image de ses petits bonhommes,
toujours de bonne humeur, positifs, drôles. Tout est formidablement lié,
l’auteur ne triche pas, ses toiles sont des morceaux de lui… et inversement;
à tel point où, quelques secondes après l’avoir rencontré, je me suis demandé
si son dos était également équipé d’un petit crochet!
A son tour Eric nous suspend aux cimaises de l’allégresse. Toujours impressionné
et gêné par les louanges, l’artiste est pourtant promis à un succès
digne des plus grands, à celles et à ceux qui ont su inventer l’espoir.
Lyndal est née et a vécue jusqu’à l’age de 20 dans le bush Australien. Elle vit et peint maintenant a Sydney.
Peggy Landon, graphiste et photographe d’origine australienne, a parcouru la planète de long en large avant de choisir La Rochelle comme port d’attache en 2001. La présence de la mer, la lumière exceptionnelle de la région, la personnalité singulière et attachante de cette ville ainsi que son amour pour l’Ile de Ré sont pour elle devenus essentiels.
Elle a exposé ses photographies en Australie, à Paris et sur l’Ile de Ré.
« L’être ressemble à ses paysages. Il le teinte de sa présence et l’espace l’anime.
Pas d’objets, pas d’indices sociaux, seuls comptent les mouvements des personnages, leurs attitudes et leurs jeux de regards.
Des fils rendus visibles tissent des liens entre les êtres qui parfois regardent le visiteur et l’interroge sur leur enfance, leurs rêves.
Tantôt ils portent le regard au loin, en quête d’horizon, ils guettent les étoiles ou bien ferment les yeux, enclin à la réflexion, le corps en alcôve.
Le corps est un lieu de métamorphose, de pétrification, d’élan toujours renouvelés: il danse sur le fil de l’espoir et de la perdition. »
Certes il s’agit d’un travail sur les traces, les vestiges d’hypothétiques écritures, émergeant des couches successives d’enduits patinés par le temps.
Mais au-delà de la mise en lumière du rapport entre les multiples graphies et les assauts des âges, c’est un évident plaisir à jouer des matières et des tons.
Une impérieuse et sensuelle invite au toucher.
C’est apprendre le temps, démontrer qu’à cet endroit, se mêlant d’esthétique, il souligne la beauté des tracesamoindries,… avant que de tout effacer une dernière fois.
C’est dans la chaux, le ciment, la poudre de marbre, le sable, la terre, les pigments,…que résident ces graphies anciennes, pensées cachées à peine révélées…
Ousmane Fall
Né le 26 Août 1962 à Dakar au Sénégal, je me passionne trés tôt pour la pêche à la ligne et la chasse sous-marine.
L’eau, surtout la mer, deviennent mes centres d’activité et d’épanouissement, aujourd’hui encore.
A 13 ans, je m’initie à la photographie lors d’un stage au centre culturel français de Dakar,
je commence à découvrir, avec un 6X6 Rolleïflex, le pouvoir magique des images, moments fixés qui inévitablement disparaissent dans le temps.
Arrivé en France à 21 ans, je me lance dans la vie active en tant que commercial, pour assouvir mes passions : la musique et l’art graphique ; chant, instruments à vent, pastels et acrylique.
J’abandonne la photo suite à la perte de mon matériel en 1985 et continue mon introspection artistique jusqu’en 1999, année pendant laquelle je fais une formation en aquaculture dans le Finistère Sud : Retour à la mer !
Aprés deux ans de travail en ostréiculture dans le golfe du Morbihan, je m’engage dans la saliculture par une formation à Guérande en Septembre 2003, suivi en Mars 2004 de mon installation sur l’île de Ré, et la construction de mes marais salants à Ars.
L’enrichissement intérieur du travail avec l’eau, le soleil, l’argile, et le vent,
dans cet espace remarquable, est magnifié par la découverte du sel qui apparaît, puis par les images que je découvre.
Associant le minéral et le végétal dans un mariage symbiotique-esthétique, ces tableaux sont le résultat de l’alchimie particulière des marais salants.
Transportés et tissés par le vent contre les structures d’argile, poussières, pollens, poils, plumes, brindilles, se mélangent aux micro-algues jaunes, oranges, roses ou rouges, la « Dunaliella Salina »,endémiques des milieux salins.
Sur le fond gris-bleu du Bri (argile) nappé de mousse marine verte,ces instants éphémères de beauté naturelle me font prendre conscience de l’importance des détails, dans le regard global que l’on porte souvent sur la vie.
Vit et travaille en Morbihan
Autodidacte
Expose pour la première fois à treize ans et se consacre à la peinture depuis 2005. Entre en Galeries et dans des collections privées en France et à l’étranger.
Au-delà de cette possibilité d’espace, de sérénité, il y a cette limite de l’océan ou d’un rivage, d’une terre vierge, d’un mirage.
Je ne pouvais pas être au plus près de ma liberté, la sentir sur mes joues, sur mes lèvres, effleurer son écume. Je me trouve aux portes, aux origines du voyage.
L’infini est ici et les cris des goélands me rappellent ce que j’étais et ce que je suis à nouveau, là, maintenant. Nulle part ailleurs, je ne me trouverai aussi vivant, accompagné, en sécurité, en paix que seul, sur une plage. Au-delà d’une peinture, d’une impossible répétition, il y a le désir, l’obsession de revenir louer la saveur, les couleurs, l’interprétation fugace d’une éternité, saisir un mouvement, un silence, une lumière, l’évidence d’un instant d’océan, d’une rencontre unique.
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Existentialiste de naissance, j’ai également besoin d’explorer la conscience, d’aller au fond.
Pour récupérer mes créatures, les ramener à la surface – je dois tomber.
Ensuite … La mer reste le seul anxiolytique réellement efficace.
La mer …
« Nous construisons notre propre couleur et le ciel se charge de la mettre en lumière. »
Encore hier, seul, petit, allongé au milieu d’une immense prairie munificente en forme de cercle, entourée d’une colonie d’arbres dont les cymes chatouillaient des cieux à portés de branches, je m’efforçais à mettre des mots sur le spectacle le plus grand, le plus beau. Peindre un paysage, c’est aussi montrer que nous ne sommes pas seuls, qu’il est impossible de l’être. C’est montrer le corps de la nature, ses visages, ses intentions.
Pour Gérard Forche, la mer n’est qu’un prétexte, un merveilleux prétexte pour ce peintre fasciné par la lumière, comme un phalène fou qui cherche l’éternité. (Dominique Pannier)
« Dans son travail, Marc Coroller explore et réinvente les expressions graphiques et les langages liés à la mer à l’architecture. Il recherche les points de rencontre, réels ou imaginaires, entre ces deux univers et aime faire dialoguer les espaces finis et infinis.
Cartes, plans, urbanisme portuaire, habitats imaginaires, transports et voyages, repères, balises, signes géographiques ou ethniques se soustraient à leur caractère figuratif. Ils adoptent une nouvelle force et tentent de réconcilier géométrie et poésie… souvent avec humour… »
Biographie
Marc Coroller, né en 1961 en Bretagne, vit et travaille à La Rochelle. Peintre autodidacte, il a grandi dans le golfe du Morbihan. Sa sensibilité artistique est imprégnée d’une culture maritime et architecturale.
En 1989, à la suite d’un séjour à Seattle, il réalise ses premières œuvres marines, tableaux sculptés de grands formats, en bois de différentes essences, inspirés du travail des indiens du Nord Ouest américain. Puis viendront les peintures, manœuvres de navigateurs en plein effort, puissants et stylisés, parfois naïfs (pastels et acryliques).
Entre 1994 et 1997, il suit une formation de dessinateur en architecture (Rennes) puis d’architecte d’intérieur et designer (Lyon). Ceci influencera largement le travail qu’il développe depuis.
Figuratif à ses débuts, il laisse une part de plus en plus importante à l’imaginaire et à l’abstraction, associant progressivement travail sur le trait, la couleur, la géométrie des formes et des signes. Il joue sur les échelles, la déconstruction, la recomposition.
Depuis quelques années, il utilise régulièrement comme support le tissu à voile, métaphore sur le voyage océanique…
JICÉ est un artiste français né en 1961.
La démarche artistique de JICÉ trompe l’oeil en jouant sur les constructions.
Ses compositions sont à la fois des «tableaux-sculptures» l’artiste laisse apparaître la matière avec une palette de patines et de couleurs, qui donne une impression du vécu à ses oeuvres.
Toujours prêt à embarquer, il nous transporte entre terre , ciel et mer dans son univers du dock art
« Ironiques, ludiques, provocatrices, les pièces sont pensées pour que le public s’engage, touche, joue, s’investisse, s’identifie, s’analyse face au thème proposé,″retrouver la vérité,sa vérité″.
Les formes arrêtent le regard, la matière interpelle, les mots perturbent.
Les volumes blancs symbolisent nos ″mal-êtres″ ils racontent nos choix de vie trop souvent influencés, voir copiés-collés, et l’engrenage consumériste-matérialiste dans lequel ils nous entraînent.
Mais,ils ont aussi la forme de cocons: signes de renaissance. »
GAUTHIER
Sheena Jolley est née à Wicklow, Irlande. Elle eut cette chance de grandir à la campagne, et elle s’intéressa à l’histoire naturelle dés son plus jeune âge. De 1999 à 2001, elle étudia la photographie au « North Oxfordshire Collège of Art », ce qui lui permit de concilier ses talents créatifs et son amour de la nature. Sheena se consacre à photographier les animaux sauvages qui vivent en Irlande et en particulier dans les iles.
Parallèlement à l’engouement croissant pour les iles, désormais facilement accessibles grâce aux sorties en mer organisées, elle espère par son travail développer une prise de conscience et une sensibilisation du public pour la nature.
« Quand je photographie des animaux sauvages, je cherche à capturer l’instant le plus bref. J’aime saisir le mouvement, le moment de grâce ou l’on rencontre le regard de l’animal ou de l’oiseau : l’éclair dans un œil, les teinte éphémères de l’aube et du crépuscule, ces instants si fugitifs qu’ils sont à peine perceptibles a l’œil nu.
Tous ces aspects qui illustrent la beauté et la puissance de la nature et qui suscitent un sentiment d’enthousiasme vif et persistant chez le spectateur.
Je souhaite que mes imagent réjouissent la vue et l’esprit de ceux qui aspirent à la paix intérieur, et qui, d’instinct recherchent ce qui leur donne le sourire et une respiration plus ample.
Je m’efforce de capturer et de révéler l’essence de quelque chose de pur, afin d’amener les gens à y regarder de plus près, et de mieux percevoir un certain détail, une couleur, l’esprit qui s’en dégage.
Je me passionne pour les merveilles et les mystères de la nature et je veux partager cette fascination qu’elle exerce sur moi afin qu’il soit donné de les voir. »
Je suis une et deux à la fois.
Si un jour, j’ai du mal à dire quoique ce soit,il me faudra dire simplement: je suis métisse.
Tout viendra: l’amour de la terre, de la mer, des plantes, des graines; les histoires de ceux d’avant de ceux qui me constituent pleinement qui ne se résume, pour moi, que par un mot: métisse.
Je ne veux pas mentir, simplement affirmer ma gravité noir sur bois.
Il y a tant où tout a le goût d’éternité. Il s ’agit de ne pas les trahir.
Mon travail est vraiment comme une poche d’enfant: deux, trois, cailloux, deux billes,
un morceau de bois, un répertoire de forme, classés sans connaissance primaire, comme ça,
pour être annoncé sans règles car des règles il n’en y pas.
Le grand rocher de calcaire avait bougé, dans les eaux fécondes.
Il emportait avec lui son sommet végétal.
En douceur, dans les bulles, le monde se mettait à l’envers.
Les plantes maigres et odorantes avaient suivi un seul mouvement.
Tout le vert, tout le blanc glissait ensemble, forçant le niveau de l’eau et la surface …
pour mêler les odeurs de pierre, d’eau, de buis et de thym.
Un peu de mon monde, un peu d’eau profonde.
Artiste verrier, née à Bruxelles, elle est arrivée en Australie en 2001.
« Ayant passée beaucoup d’années en Afrique centrale et occidentale, depuis l’enfance jusqu’à 19 ans, je suis sous l’influence de toutes ces cultures, ces odeurs, ces sons, ces croyances … Ma vie et ma compréhension des peuples et des cultures ne seraient pas les mêmes si je n’avais pas été en contact avec eux. »
Isabelle MERENNE
Né en 1950. Vit et travaille à St Hilaire de Riez
« Vous le découvrirez jazzman, aquarelliste de l’atlantique, de vieilles gares ou d’épaves, photographe, peintre d’un monde burlesque ou mettant en scène sur la toile des jouets vivants…
La surprise est toujours présente là où l’âme transparaît… »
Avec Christian BOUSSARD, vous évoluez dans une galerie de portraits où se mêlent en ronde infernale l’absurde et le classicisme, farandoles de clowns tristres, de personnages coiffés d’entonnoirs, d’être vivants conditionnés en boîtes de sardine… »
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Peintre aux multiples facettes, Christian Boussard ex pro de la folie asilaire maintenant retraité, batteur de jazz lunaire expose… mieux, explose son talent pictural et tout son swing en triolets lumineux, en sessions brillantes ou en silhouettes nocturnes de boppeurs in Tunisia.
(Patrick Pinoult)
Né à Paris, dans le 19ème arrondissement. Plus proche des aquariums du
Musée des Colonies et du Jardin des Plantes que des rivages de l’océan, il partage
les sources d’inspiration d’un père sculpteur animalier.
Sa jeunesse est peuplée d’innombrables animaux cohabitant dans l’atelier paternel
du quartier Montparnasse. Durant ses études d’arts graphiques, il se prend de passion
pour la mer, sa faune et sa flore. Devenu directeur artistique, il conçoit et met en page
de nombreux ouvrages dédiés à la photo, tout en pratiquant cet art en amateur éclairé.
Graphiste, coloriste, photographe, pêcheur, gastronome et installé depuis sur la façade atlantique,
Dominique Lhoste nous livre ici une série d’œuvres ou se mêlent esthétisme, naturalisme et humour.
Chaque œuvre est numérotée de 1 à 8.
» Se soustraire au temps,figer un espace de développement graphique prolongeant l’imaginaire: découvrir un univers peuplé de poissons lunes et de voiliers,de machines volantes et de manéges,de mythologie et de numéros de cirques improbables…Philippe CHASSANG est un artisant de l’art dont le médium est la gravure : ses estampes décrivent une petite poésie tournée vers les lumières du monde en évitant soigneusement d’évoquer sa part d’ombre.
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» L’estampe est une œuvre numérotée et signée,imprimée par une presse à partir d’une plaque gravée par l’artiste . »
James Boisset est né et a grandi à Sydney, Australie. Il a toujours été fasciné par l’évolution de cette ville, la beauté de la baie et est aussi attiré par les couleurs du « bush » australien.
En 1980 il fait l’école des beaux-arts de Sydney et commence sa carrière dans la bande dessinée pour enfants, puis rapidement grâce à l’aquarelle il découvre ses capacités à représenter les paysages marins australiens.
Ces peintures sont claires et fortes car il utilise subtilement la lumière et les contrastes. Il aime l’utilisation de l’aquarelle pour la transparence et les émotions qu’elle lui permet de faire vivre sur le papier
James est un peintre reconnu en Australie et a l’étranger ou il est dans de nombreuses collections privées et publiques. Il a remporté de très nombreux prix et expose en permanence dans de prestigieuses galeries.
Pierre Nadler s’adonne à sa passion photographique depuis 2004, date à laquelle il passe au numèrique.
Il s’exprime avant tout dans les paysages naturels ou urbains ainsi qu’en macrophotographie.
Tombè amoureux de l’Ile de RÈ voilà plus de 10 ans, il y consacre une grande partie de son travail aussi bien en couleurs qu’en noir et blanc.
LA ROCHELLE – Novembre 2011
Création d’une galerie d’Art de 400 m2 au milieu de ce salon d’Art contemporain…
Photos de Art ile de re – 2011
- VERNISSAGE & INSTALLATION
Adresse :Quai Launay Razilly - 17410 Saint Martin de Ré
Téléphone : 05 46 09 24 42
Site Web : www.promenarts.com
Association Rhétaise de Développement Culturel
la MALINE est de nouveau partenaire pour cet événement en tant que support de communication et de diffusion des informations liées a ce salon
Site Web : www.lamaline.net
E-mail: ardc@Wanadoo.fr
PromenARTS - Galeries d’Art – organise en dehors de ses murs des expositions pour permettre au plus grand nombre d’être en contact avec l’art.
Prochain événement : ARTS ILE DE RE 2012 au Bois Plage en Ré.
du Samedi 28 Avril
au Mardi 1er Mai
ENTREE GRATUITE
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